Próxima Reunión: miércoles 18 de OCTUBRE de 2017, 10 hs. ¡¡FELIZ 2017!!

http://www.apoaenelmoyano.blogspot.com/ ES EL BLOG DEL TALLER DE POESÍA DE APOA EN EL HOSPITAL MOYANO - Correo electrónico: poetasdelmoyano@gmail.com - Hospital Dr. Braulio Moyano: Brandsen 2570, Ciudad Autónoma de Buenos Aires, Argentina.

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Gracias Pablo Acebal, Brenda Santiago, Juan Roccabruna, César Esquivel !! desde "Con la cabeza bajo el agua" -teatro-... por su saludo, la charla y la poesía

PARTE 1 de 3


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Pablo Acebal, Brenda Santiago, Juan Roccabruna, César Esquivel -saludo charla poesía- desde "Con la cabeza bajo el agua" -teatro- para el Taller de Poesía de la Asociación de Poetas Argentinos -APOA- en el Hospital Moyano // "APOA en el Moyano" - Taller de Poesía - PARTE 1 de 3


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INFORMACIÓN ADICIONAL

El lunes 10 de abril de 2017, a las 21 hs., se estrenó
"Con la cabeza bajo el agua"
Autor: Norman Briski // Intérpretes: Pablo Acebal, Brenda Santiago, Juan Roccabruna, César Esquivel; Dirección: Juan Washington Felice Astorga; en el "Teatro Calibán", México 1428 (C.A.B.A.) // Informes: 4384-8163 // conlacabezabajoelagua@outlook.com.ar // Entrada $ 150.- (Estudiantes y Jubilados $ 100.-) Facebook: https://www.facebook.com/Conlacabezabajoelagua/?fref=ts

En un pabellón abandonado de un manicomio, conviven cuatro personajes que han quedado despojados de cualquier bálsamo posible, en los confines de un mundo fabricado especialmente para aquellos que, bajo el estigma de “peligro”, son cercenados en el abandono y el olvido. Un joven esquizoide, hijo de un guerrillero desparecido; una mujer marginal, tan visceral como su dolor, que busca refugio de la persecución policíaca y un viejo poeta con delirios místicos; junto a ellos un enfermero demencial que los protege con los modos siniestros de aquella institución que se erige modelo en el control de los cuerpos. La historia de cuatro seres que la sociedad ha dejado, sin más, a un costado de la existencia, de la dignidad, del consuelo y del amor.

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"Con la cabeza bajo el agua"
Ficha Técnica:

Autor: Norman Briski; Intérpretes: Pablo Acebal, Brenda Santiago, Juan Roccabruna, César Esquivel; Dirección: Juan Washington Felice Astorga; Diseño de Escenografía: Norman Briski; Vestuario: Maria Claudia Curetti; Realización Escenográfica: Alberto Bosio, Guillermo Bechthold; Diseño de Luces: Juan Washington Felice Astorga; Asistencia de Dirección: Rosario Andía; Operador de Luces: Sergio Villarruel; Producción: Helena Pérez; Diseño Gráfico: "Con la cabeza bajo el agua"; Fotografía: María Isabel Vázquez "Teatro Calibán", México 1428 (C.A.B.A.) // Informes: 4384-8163
Prensa: Silvina Pizarro

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"Con la cabeza bajo el agua"
Texto Pablo

Yo soy enfermero y estoy enfermo por eso los entiendo tan bien.

Porque el sueldo me enferma, mi ex me enferma, no porque no tenga razón por eso me enferma porque tiene razón.

Me enferma el Dr. Agustín porque yo sé que lo único que le importa es no contagiarse. Y hace tantas cosas para durar que parece un libro viejo que no se puede abrir. Y ustedes me curan porque están tan indefensos como los leones en el zoológico.

Mi mamá... la mató a la yegua de papá, la envenenó con insulina y está aquí cerca... puedo ir caminando a verla pero no voy porque me hace mal.

Ella es tan cariñosa pero a mí me da asco abrazarla... ustedes me escuchan... y yo también.

"Con la cabeza bajo el agua" Norman Briski.

Gracias Susana Yasan !! desde "Año Cero (Un sonido incesante)" -teatro-... por tu saludo, la charla y la poesía


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El sábado 25 de marzo de 2017, a las 19.30 hs., se estrenó "Año Cero (Un sonido incesante)"

Propuesta de teatro + poesía + música, inspirada en las palabras de la chamana mexicana María Sabina, la antigua poeta griega Safo y la mujer-mito Casandra // Sobre una idea original de Susana Yasan y Lamberto Arévalo // Con Dramaturgia y Dirección de Lamberto Arévalo // Funciones: Todos los sábados a las 19.30 hs. (hasta el 13 de mayo inclusive) // En "Patio de Actores", Lerma 568, C.A.B.A. // Teléfono–Informes: 4772-9732 // Entradas $ 200.- (Estudiantes y Jubilados $ 150.-) //

Nueva propuesta de teatro poético, que se propone bucear en nuestras raíces latinoamericanas desde una perspectiva contemporánea y experimental, sin por eso separarse de un encuentro con lo popular. La puesta en escena trabaja con el cuerpo como fundador de devenires, geografías e intensidades. Los personajes también son músicos y fuerzas que modifican la atmósfera a cada instante. La música se realiza íntegramente en escena, haciendo que todo viva de manera directa, las voces tanto como los instrumentos componen la dramaturgia de la propuesta. Un escenario despojado, con mínimos pero contundentes elementos que, junto a la iluminación, hacen del recinto artístico un universo que muta incesantemente.

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"Año Cero (Un sonido incesante)"
Sinopsis

Año 2100. Pasó una nueva guerra mundial. El planeta se ha convertido en un desierto yermo. En algún sitio recóndito del mapa, donde hoy se encuentra Latinoamérica, convive una tribu que ha sobrevivido. Cero, una mujer que pertenecía a una comunidad extinguida, fue rescatada por este grupo. Cero descubre accidentalmente algo desconocido y le vibra como una señal: un llamado a dejarlo todo y partir. Asume el desafío y emprende el viaje. A lo largo del trayecto aparecerán otras señales, fuerzas desconocidas, sonidos que se vuelven voz. Zumbarán en la cabeza de Cero las palabras de tres mujeres que han vivido en otros siglos. Junto a ellas, se irán hilvanando otras presencias y huellas arqueológicas: palabras, cuerpos, ritmos y tonos de un pasado que insisten en la huella del tiempo. Cero descubrirá la sensualidad refundada, la hechicería de la tierra, la palabra profética, su voz propia. En ella la resistencia, la emoción y la creación se volverán fuerzas indiscernibles.

“Año Cero (Un Sonido Incesante)” nace inspirada en la vida y obra de tres mujeres (la chamana mexicana María Sabina, la poeta Safo y la mítica Casandra), así como del deseo de hablar de la creación en tanto memoria y resistencia. En nuestra era y en otras pasadas siempre existieron vidas que abrieron líneas de fuga sobre lo establecido, tanto externa como internamente: nosotros tomamos las potencias de estas tres mujeres que existieron para componer una nueva fuerza, artística y actual, encarnadas en la mujer del futuro”, comenta Lamberto Arévalo.

Idea Original: Susana Yasan y Lamberto Arévalo; Dramaturgia: Lamberto Arévalo; Intérpretes: Susana Yasan, Verónica Allocati, Cecilia Arrascaete, Cecilia Mártire y Mariano Pérez de Villa; Música Original: Lamberto Arévalo, Cecilia Arrascaete y Mariano Pérez de Villa; Diseño de Iluminación y Objetos: Fernando Dopazo; Realización de Objetos: Verónica Allocati y Fernando Dopazo; Diseño de Vestuario y maquillaje: Silvia Zavaglia; Realización de Vestuario: Mariela Martínez y Verónica Allocati; Asistente de Dirección: Mariela Martínez; Dirección: Lamberto Arévalo
Prensa: Silvina Pizarro

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"Año Cero (Un sonido incesante)"
+ Información

Safo (antigua poeta griega) // La encarnación de una fuerza poética y sensual que abrió líneas de fuga en un mundo dominado por la forma-hombre. Al mismo tiempo que revolucionó los contenidos de la poesía se enfrentó a los poderes políticos. Fue exiliada, fundó su academia y se atrevió a amar a hombres y mujeres por igual. Todo movimiento de liberación femenina encuentra en ella su paradigma, tanto ético como estético.

María Sabina (chamana mexicana) // La sabiduría de la tierra, una fuerza que se posicionó contra el “saber oficial” (en tanto instrumento de dominación), eso que el chamanismo siempre ha resistido. Una resistencia a la que sumó el confrontarse con la banalización y mercantilización de lo mágico y lo sagrado. A raíz de una experiencia dolorosa con su hermana, fue que re-descubrió la sabiduría que se hallaba en los hongos de su siembra, aceptando la misma como un don sagrado y a cuidar, del cual ella era tan solo un medio.

Casandra (la –rechazada- profeta mítica) // Fuerza femenina que captaba los acontecimientos por venir, aunque nadie le creía y ponía en riesgo su vida en afirmarlos. Su vitalidad se define por haber vivido entre las ramas del poder y los laberintos de las divinidades, rechazada por unos y escupida por los otros. Hoy sigue viva a través de las miles de mujeres que captan algo auténtico y afirmativo en su relación con la tierra, aunque sus sociedades las desprecien.

Cero (la protagonista) // La mujer del futuro: encontrará, en su propia decisión de salirse de un destino fijado, las fuerzas de tres aliadas que la acompañarán y ayudarán a atravesar el horizonte. Nuestra protagonista, en la obra, vivirá en las salinas, en la puna, en la selva, emanada de su eternidad. Hechicera, Cero encarna la fuerza actual de una memoria creadora, que cimenta la palabra profética en nuestro mundo, co-habitando con otros superpuestos. Toma presencia en la fuga del Lenguaje y recobra del olvido una memoria cósmica y oceánica. Cero es la palabra de una voz propia, sin impostación, guerrera y animal al mismo tiempo.

Los cuerpos–territorios que acompañan a Cero // Un cuerpo-manada habitado de paisajes desérticos, texturas y colores de la tierra, sonidos que llaman, presencias en los silencios; contrapuntos de ritmos, aires, vientos, tormentas, animales, afectos y tecnologías encarnados. Cuerpos que irán tomando diferentes formas y naturalezas (figuras animales, paisajísticas, atmosféricas, fantasmáticas, tribales, etc.). Un escenario despojado, en donde los personajes van fundando los territorios por donde atravesarán sus dramas. Sus mismas pertenencias serán mutantes, como un carro de supermercado que puede devenir en choza-barco-jardín-oasis, o plantas que se vuelven telas de araña, entre otros.

Sobre el campo sonoro–musical // Los materiales sonoros son producidos por los actores en escena, con instrumentos tradicionales y no tradicionales, analógicos y electrónicos, desde una perspectiva estética contemporánea y de suelo latinoamericano. Lo sonoro no está encarado como reproducción de lo que pasa en el personaje y el drama, sino que se mueve desde contrapuntos y diagonales que crean la sonoridad que habita en la geografía escénica; atravesada por el tiempo y los acontecimientos históricos que resuenan en la pieza: guerras de conquista y colonización, industrialización, tecnología, ritos, animales, la mezcla de lo sagrado y lo profano, etc. Se trata de la musicalidad de los estados internos del personaje y los planos atmosféricos que la atraviesan en el recorrido. Es una música poblada por animales, moléculas, ruidos, murmullos, vientos y fuerzas acuáticas, entre otros.

Gracias Graciela Clusó !! desde "Carmencita" -teatro-... por tu saludo, la charla y la poesía


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El domingo 12 de marzo de 2017, a las 21 hs., se estrenó "Carmencita" nueva comedia de Patricia Suárez, con la actuación de Graciela Clusó y Diana Kamen, dirigida por Mariano Dossena.
En el Teatro "Nün", Juan Ramírez de Velasco 419, C.A.B.A. // Teléfono-Informes: 4854-2107 // Entrada $ 200.- (Estudiantes y jubilados $ 170.-)
Funciones: Domingos, 21 hs.


"Carmencita" narra con mucho humor e ironía, la historia de Menena y Rosario, dos hermanas que se vuelven a juntar, luego de años sin verse, con motivo de la muerte su madre. ¿Qué significa “ser” familia? ¿Qué parte de nuestra identidad germina en su seno? ¿Cuál es el lugar para el amor y el deseo a mitad del Siglo XX, donde aún la identidad femenina es anquilosada por un “deber ser” brutal y angustiante? Un micro universo que nos invita a reflexionar sobre lo filial con un lenguaje donde prevalece el humor, la audacia y una potente mirada de género.

“Dos hermanas se reencuentran en la casa de campo que las vio nacer por un motivo específico: ha muerto su madre. La menor, quien vive en la ciudad, llevó una vida de cierta inestabilidad emocional; aunque la mayor, quien permaneció en su pueblo natal, la supone una superada. A ojos de Rosario, Menena es una viuda insatisfecha y cogotuda, cuando en realidad tiene una vida sexual más bien descontracturada para la época. Es evidente que la historia familiar resulta un relato diferente para cada uno de sus miembros y ésta es la estructura principal de la trama. Con un lenguaje donde prima el humor y la ironía constante, `Carmencita´, personaje que nunca aparece en escena, será la excusa para este reencuentro desopilante donde todos los trapitos salen al sol y ambas mujeres terminarán sumamente modificadas”, Patricia Suárez.

“Un texto delicioso de Suárez que aborda temáticas que siempre regresan, con obsesión, en mis puestas: lo vincular, el deseo, la represión y los secretos de familia. La autora hilvana y nos invita a reflexionar sobre estas cuestiones, tan propias de lo humano, en una combinación perfecta entre lo irónico, lo sensible y un humor pícaro constante. Menena y Rosario parecen personajes del entorno Puigiano; mujeres inmersas en un paisaje bucólico donde, una y otra vez, observan lo ajeno con frustración y recelo. Me es de un placer inaudito darle musicalidad a las palabras de Patricia, porque 'Carmencita', ante todo, es una bella sinfonía pensada para dos actrices”, Mariano Dossena.

Ficha Técnica:
Autora: Patricia Suárez; Intérpretes: Graciela Clusó y Diana Kamen; Escenografía y Vestuario: Nicolás Nanni; Música Original: Rony Keselman; Asistencia y Producción Ejecutiva: Pablo Scorcelli; Asistencia de Iluminación: Martin Paponi; Iluminación: Claudio Del Bianco; Fotografía: Mariana Jacobs; Dirección: Mariano Dossena
Prensa: Silvina Pizarro

Gracias Patricia Suárez !! desde "Carmencita" -teatro-... por tu saludo, la charla y la poesía


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El domingo 12 de marzo de 2017, a las 21 hs., se estrenó "Carmencita" nueva comedia de Patricia Suárez, con la actuación de Graciela Clusó y Diana Kamen, dirigida por Mariano Dossena.
En el Teatro "Nün", Juan Ramírez de Velasco 419, C.A.B.A. // Teléfono-Informes: 4854-2107 // Entrada $ 200.- (Estudiantes y jubilados $ 170.-)
Funciones: Domingos, 21 hs.


"Carmencita" narra con mucho humor e ironía, la historia de Menena y Rosario, dos hermanas que se vuelven a juntar, luego de años sin verse, con motivo de la muerte su madre. ¿Qué significa “ser” familia? ¿Qué parte de nuestra identidad germina en su seno? ¿Cuál es el lugar para el amor y el deseo a mitad del Siglo XX, donde aún la identidad femenina es anquilosada por un “deber ser” brutal y angustiante? Un micro universo que nos invita a reflexionar sobre lo filial con un lenguaje donde prevalece el humor, la audacia y una potente mirada de género.

“Dos hermanas se reencuentran en la casa de campo que las vio nacer por un motivo específico: ha muerto su madre. La menor, quien vive en la ciudad, llevó una vida de cierta inestabilidad emocional; aunque la mayor, quien permaneció en su pueblo natal, la supone una superada. A ojos de Rosario, Menena es una viuda insatisfecha y cogotuda, cuando en realidad tiene una vida sexual más bien descontracturada para la época. Es evidente que la historia familiar resulta un relato diferente para cada uno de sus miembros y ésta es la estructura principal de la trama. Con un lenguaje donde prima el humor y la ironía constante, `Carmencita´, personaje que nunca aparece en escena, será la excusa para este reencuentro desopilante donde todos los trapitos salen al sol y ambas mujeres terminarán sumamente modificadas”, Patricia Suárez.

“Un texto delicioso de Suárez que aborda temáticas que siempre regresan, con obsesión, en mis puestas: lo vincular, el deseo, la represión y los secretos de familia. La autora hilvana y nos invita a reflexionar sobre estas cuestiones, tan propias de lo humano, en una combinación perfecta entre lo irónico, lo sensible y un humor pícaro constante. Menena y Rosario parecen personajes del entorno Puigiano; mujeres inmersas en un paisaje bucólico donde, una y otra vez, observan lo ajeno con frustración y recelo. Me es de un placer inaudito darle musicalidad a las palabras de Patricia, porque 'Carmencita', ante todo, es una bella sinfonía pensada para dos actrices”, Mariano Dossena.

Ficha Técnica:
Autora: Patricia Suárez; Intérpretes: Graciela Clusó y Diana Kamen; Escenografía y Vestuario: Nicolás Nanni; Música Original: Rony Keselman; Asistencia y Producción Ejecutiva: Pablo Scorcelli; Asistencia de Iluminación: Martin Paponi; Iluminación: Claudio Del Bianco; Fotografía: Mariana Jacobs; Dirección: Mariano Dossena
Prensa: Silvina Pizarro

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Gracias Marcelo Bucossi !! desde "Los sirvientes" y "La Tempestad" -teatro-... por tu saludo, la charla y la poesía

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Marcelo Bucossi -saludo charla poesía- desde "Los sirvientes" y "La Tempestad" -teatro- para el Taller de Poesía de APOA en el Hospital Moyano "APOA en el Moyano" - PARTE 1 de 3


PARTE 2 de 3 


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Marcelo Bucossi -saludo charla poesía- desde "Los sirvientes" y "La Tempestad" -teatro- para el Taller de Poesía de APOA en el Hospital Moyano "APOA en el Moyano" - PARTE 2 de 3


PARTE 3 de 3 

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Marcelo Bucossi -saludo charla poesía- desde "Los sirvientes" y "La Tempestad" -teatro- para el Taller de Poesía de APOA en el Hospital Moyano "APOA en el Moyano" - PARTE 3 de 3


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"Los sirvientes"

Todos los sábados a las 20 hs. se presenta (en su Segunda Temporada) “Los Sirvientes”, con texto de Adriana Tursi, interpretado por Luciana Bava, Marcelo Bucossi, Laura Montes de Oca, Soledad Rodríguez, Élida Schinocca y Fito Yannelli; dirigida por Andrés Bazzalo. En el "Teatro del Pueblo", Av. Presidente Roque Sáenz Peña 943 (C.A.B.A.). Entrada $ 200.- (Estudiantes y Jubilados $ 170.-).

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"Los sirvientes"

Ficha Técnica:
Autor: Adriana Tursi; Intérpretes: Luciana Bava (Estela), Marcelo Bucossi (José), Laura Montes de Oca (Antonia), Soledad Rodríguez (Carmen), Élida Schinocca (Aurora), Fito Yannelli (Juan); Vestuario: Adriana Dicaprio; Iluminación: Fabián Molina Candela; Fotos: Alejandro Baccarat; Video – tráiler: Lucio Bazzalo; Diseño: Mariano Falcón; Prensa: Silvina Pizarro; Asistencia de dirección: Ariel Nesterczuk; Dirección: Andrés Bazzalo.

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"La Tempestad"

El viernes 3 de marzo de 2017 a las 20.30 hs. regresa en su Segunda Temporada
"La Tempestad"
De William Shakespeare, con versión y dirección de Alfredo Martín; Interpretada por: Marcelo Bucossi, Brenda Margaretic, Iván Vitale, Mario Falcón, Julián Belleggia, Daniel Goglino, Nicolás Fabbro, Gabriel Nicola, Pablo Mariuzzi, Marcelo Rodriguez, Bianca Vilouta Rando, Gustavo Reverdito, Ariel Delgado y Nicolás Olmos. En el Teatro "Andamio '90", Paraná 660, C.A.B.A. Entrada $ 200.- (Estudiantes y Jubilados $ 150.-). Teléfono Informes: 4373-5670 // Funciones: Viernes, 20.30 hs.

Espectáculo galardonado con un Premio "Teatro del Mundo" ("Trabajo Destacado en Adaptación" para Alfredo Martín) dos Premios "Luisa Vehil" (“Mejor Actor" y "Mejor Actriz de Reparto” para Mario Falcón y Bianca Vilouta Rando) y dos Nominaciones al Premio "Florencio Sánchez" (“Mejor Actor Protagónico” para Marcelo Bucossi y “Mejor Actor de Reparto” para Pablo Mariuzzi).

Seleccionado para participar del Festival Internacional Shakespeare 2017

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"La Tempestad"
Sinopsis
Próspero, el duque de Milán, exiliado por la fuerza a una isla, provoca el naufragio de sus enemigos con sed de venganza. Su encantamiento despierta los más variados juegos sucios. Ariel, esclavo de Próspero, mientras ejecuta con destreza los deseos de su jefe, ansia su propia liberación. Miranda, hija del duque, se enamora de Fernando, hijo de Alonso, principal enemigo de su padre. Los náufragos extraviados intentan asesinar a su Rey con el afán de tomar la corona. Entretanto Calibán, un subhumano oscuro, pretende librarse de Próspero y aliándose con un bufón y un borracho, intentará asesinarlo. El amor entre Miranda y Fernando modificará los propósitos del protagonista confrontándolo con la ética de sus actos y la naturaleza del perdón.

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"La Tempestad"
Ficha Técnica:
Autor: William Shakespeare, con versión de Alfredo Martín; Intérpretes (por orden de aparición): Marcelo Bucossi (Próspero), Brenda Margaretic (Miranda), Iván Vitale (Ariel), Mariano Falcón (Calibán), Julián Belleggia (Fernando), Daniel Goglino (Gonzalo), Nicolás Fabbro (Adrián), Gabriel Nicola (Alonso), Pablo Mariuzzi (Sebastián), Marcelo Rodriguez (Antonio), Bianca Vilouta Rando (Trínculo), Gustavo Reverdito (Estéfano), Ariel Delgado (Espíritu 1), Nicolás Olmos (Espíritu 2), Asistentes de Dirección: Cecilia Nicolich y Analía Sirica; Diseño de Escenografía e Iluminación: Hector Calmet; Realización Escenográfica: Dario Tarazewicz, Fernando Díaz y Analía Schiavino.; Diseño y Realización de Vestuario: Aníbal Duarte; Objetos: Gustavo Reverdito y Ana Revello; Maquillaje: Ariel Nesterczuck; Música Original: Gustavo Twardy; Interpretación (Percusión): Margaret Planes; Imágenes: Ignacio Verguilla; Diseño Gráfico: Gustavo Reverdito; Entrenamiento Corporal: Armando Schettini; Fotografía: Gabriel Oscar Pérez, Dirección y Puesta en Escena: Alfredo Martín
Prensa y Difusión: Silvina Pizarro

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"La Tempestad"
Sobre el Proceso Creativo, por Alfredo Martín

“La idea fue trabajar con las distintas dimensiones que se despliegan en el texto, con la búsqueda de generar una resignificación constante de su sentido, tanto desde lo ficcional, como así también desde lo poético y el presente escénico. Partimos de esa múltiple condición de Próspero, en tanto autor, director y protagonista de la obra, al mismo tiempo. Aquella isla exótica en la que sucede lo narrado, es a la vez el escenario del lenguaje teatral y el universo todo. El teatro por dentro del teatro y por dentro del mundo. La profundidad de los diferentes pilares simbólicos del texto nos acerca a la potencia sanadora (tanto subjetiva como social) del perdón y el carácter constructivo de la responsabilidad; elementos que hilvanan una ética que opera en contraposición a valores tales como la ambición desmedida, el odio y la traición, que llevan incluso al intento de fraticidio. Una reflexión inagotable sobre los diferentes modos de ser del poder. No podemos amar el mundo sin previamente hacernos cargo de aquello que somos y fuimos. Como ya lo expuso la filósofa política Hannah Arendt, el único modo que tenemos de salvaguardar aquello que rompemos con nuestros actos, el único modo de construir entre los escombros, es la voluntad del perdón; uno de los motores claves de 'La Tempestad' ”.

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Laurana Bond Fui a ver "Los sirvientes" Muy buena! Esas intrigas desde las sombras donde se proyectan las ilusiones y realidades de unos personajes paradigmáticos increíbles.

Gracias Héctor Laudani !! desde "Conjuro para Venus y Adonis" -teatro-... por tu saludo, la charla y la poesía

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Regresa "CONJURO PARA VENUS Y ADONIS" de WILLIAM SHAKESPEARE, con dirección de VIVIANA FOSCHI // Teatro + Circo + Música + Audiovisuales

El sábado 11 de marzo de 2017, a las 19 hs., regresa en su SEGUNDA TEMPORADA
"Conjuro para Venus y Adonis" ("Love Me")

Propuesta multidisciplinaria (teatro + circo + música en vivo + proyecciones), basada en el poema narrativo “Venus y Adonis” de William Shakespeare, con versión, puesta en escena y dirección de Viviana Foschi, música original del laudista y compositor Emilio Cervini y Coach de Circo Dani Barros.

Interpretada por Hector Laudani (Actor), Gabriela Bagno (Trapecista y Acróbata), Selva Lione (Actriz), Ana Cecilia (Actriz y Bailarina), Nati Iñon (Cantante), Adro Verben (Actor), Gerardo Della Vecchia (Actor), Samuel Steves (Actor),Victorina De Dia (Trapecista) y Emilio Cervini (músico -laúd-) en el "Teatro Tadrón", Niceto Vega 4802. Teléfonos.: 4777-7976. Entrada $200.- (Estudiantes y Jubilados $150) // Funciones: a partir del 11 de marzo de 2017, todos los sábados a las 19 hs.

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El infatigable amor, hilvanado con el dramatismo de William Shakespeare y sus pinceladas poéticas sobre el deseo, la traición, la espera, la obsesión, la venganza y la condena. Todos aquellos condimentos que integran a la condición humana cuando se pone el ropaje del deseo amoroso en una puesta en escena que reúne los lenguajes del teatro, el circo, la música y el audiovisual.

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Síntesis Argumental

Una compañía multidisciplinaria hace su representación frente al banquete del rey en plena época Isabelina. El espacio se puebla de actores, acróbatas de piso y aire, malabaristas, un bufón y una cantante de ópera, en el fragor de la música compuesta especialmente para un metálofon, un tambor y un laúd en vivo. Los agasajados reciben el relato de esta historia de amor, deseo y tragedia desde diferentes universos senso-perceptivos. El teatro dentro del teatro. La musicalidad del movimiento. El peso dramático de los versos. Un viaje intenso a través del tiempo en un relato de una honda voz poética.

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Sobre el poema “Venus y Adonis”

Venus es una mujer enamorada de Adonis. Adonis no quiere o no puede corresponderla a Venus. Ella comienza elogiando su belleza para luego obligarlo a que la bese. Al comprobar que el tacto no lo excita, Venus despliega estrategias con el fin de doblegar su resistencia. Con pertinaz indiferencia, Adonis prosigue en dirección a su cacería. En la espesura del bosque aparece una yegua que enloquece al caballo del joven. El animal rompe las riendas y se escapa con ella. Venus aprovecha la circunstancia y regresa a su objeto de amor simulando un desmayo. Adonis la besa pero pronto escapa nuevamente y le anuncia que se irá a cazar un jabalí. A ella se le aparece la imagen del joven muerto por el diente del cerdo y trata de disuadirlo para que no se vaya. Él se pierde en la noche y muere. La diosa maldice al amor: lo condena a la compañía de los celos, del dolor, del engaño, su goce no compensará nunca los tormentos que trae, será causa de guerras.

Desde el punto de vista dramatúrgico, el poema es respetado en su forma de seis versos, adaptado y versionado, junto con los sonetos de Shakespeare para la puesta. A la hora de investigar en la interpretación en escena, se hizo hincapié en una estética donde la musicalidad, la lírica y el factor narrativo de los textos se hilvanasen armónicamente. Los intérpretes trabajan desde diversas energías y registros sosteniendo la sonoridad y el peso dramático del texto, tal como sucede en la ópera y en el teatro musical. Con una puesta que se aleja del realismo e invita a una dimensión poética en estado puro.

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Por qué "Venus y Adonis" de William Shakespeare
por Viviana Foschi

Los motivos por los cuales quise trabajar con este poema narrativo de William Shakespeare son varios.
Desde un primer momento supe que deseaba trabajar con la obra poética del autor y cuando empecé a investigar, a buscar, una y otra vez, me encontraba con Venus y Adonis. Sentí una señal: ese texto, por algún motivo seguramente más inconsciente que racional, me llamaba. Es un poema de ciento noventa estrofas de seis versos cada una que el autor escribió en 1592 y se publicó al año siguiente. Momento en que la sociedad londinense era arrasada por la peste y que, por tal motivo, dejó de existir la posibilidad de que el teatro se materialice en representaciones pues todas las salas se hallaban cerradas. Se supone que ése fue el motivo por el cual Shakespeare deja de escribir obras dramáticas y se aboca al lenguaje específicamente poético. Resulta curioso, para nosotros, el hecho de saber que este poema fuese uno de los más exitosos de su carrera literaria junto a "La violación de Lucrecia". “Venus y Adonis” fue re-editado nueve veces durante la vida del autor, cosa que no sucedió con ninguna de sus obras dramáticas. Por otro lado, la temática del poema sigue siendo tan universal a la condición humana por los siglos de los siglos: el amor. En un momento, cuando estaba en pleno proceso creativo, y como creo fielmente que las experiencias deben ser reparadas y completadas para su evolución, surgió la idea del conjuro, del rito. En el poema de Shakespeare, donde aparece el famoso mito de Venus, la historia que se narra es de amor, de deseo y de tragedia. A la vez, en la actualidad también estamos viviendo un momento histórico donde el amor sexual necesita revivir, volver a ser rienda. Es sabido que estamos atravesando un periodo donde, tal como lo expresó de manera descarnada el filósofo Zygmunt Bauman en su texto “El amor líquido”, el amor se ve imposibilitado por la falta de compromiso, por la fragmentación que empieza a ser parte de la era posmoderna. Conjuro, rito en tanto posibilidad de salvar al amor de su propio abismo, de su propia imposibilidad. Conjuro y rito en tanto regresar a esa voz prístina que nos habla de la potencia del amor, de su esencia tanto vital como constructiva. Y allí, en la idea del conjuro, apareció el concepto del ensamble: crear puentes entre las distintas voces del arte, para hablar, para construir amor. Así es como en la puesta se entrelazan, con un lenguaje que pareciera el más natural del mundo, el teatro, la poesía, el circo y la música: un encuentro de voces y de sensaciones que nos envuelven en los misterios del amor y del deseo. Otra cuestión que también me gustaría remarcar es que la idea de la puesta no sólo tuvo que ver con generar un conjuro sino que también nació con la intención de homenajear a uno de los más grandes poetas de la historia en la búsqueda de regresar a su modo de “hacer teatro”. Recordemos que en plena época isabelina, el teatro se realizaba así: en una comunión de actores, poetas, laudistas, cantantes, bufones y artistas provenientes del circo (acróbatas, malabaristas y trapecistas, entre otros). En conclusión, elegí "Venus y Adonis" porque quise trabajar con la parte más poética de la producción shakespeareana, porque me parecía necesario hablar hoy del amor y su potencia creadora y, por último, porque me pareció “sanador” jugar a salvar al amor de su desgracia.

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Ficha Técnica:
Autor: William Shakespeare;
Versión: Viviana Foschi;
Música Original: Emilio Cervini;
Coach de Circo: Dani Barros;
Producción: La Sociedad Shakespeariana.

Intérpretes: Héctor Laudani (Actor), Gabriela Bagno (Trapecista y Acrobata), Selva Lione (Actriz), Ana Cecilia (Actriz y Bailarina), Nati Iñon (Cantante), Adro Verben (Actor), Gerardo Della Vecchia (Actor), Samuel Steves (Actor) y Victorina De Dia (Trapecista)

Vestuario: Alito Mendéz;
Objetos Escenográficos: Facundo Moreno;
Diseño de Iluminación: Viviana Foschi; Ilustraciones y Diseño Gráfico: Florencia Perez Portillo;
Maquillaje y Fotografía: Juan Sayes;
Dirección y Puesta en Escena: Viviana Foschi
Prensa: Silvina Pizarro

Gracias Selva Lione !! desde "Conjuro para Venus y Adonis" -teatro-... por tu saludo, la charla y la poesía

PARTE 1 de 2 con Heidi Fauth


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PARTE 2 de 2


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Regresa "CONJURO PARA VENUS Y ADONIS" de WILLIAM SHAKESPEARE, con dirección de VIVIANA FOSCHI // Teatro + Circo + Música + Audiovisuales

El sábado 11 de marzo de 2017, a las 19 hs., regresa en su SEGUNDA TEMPORADA
"Conjuro para Venus y Adonis" ("Love Me")

Propuesta multidisciplinaria (teatro + circo + música en vivo + proyecciones), basada en el poema narrativo “Venus y Adonis” de William Shakespeare, con versión, puesta en escena y dirección de Viviana Foschi, música original del laudista y compositor Emilio Cervini y Coach de Circo Dani Barros.

Interpretada por Hector Laudani (Actor), Gabriela Bagno (Trapecista y Acróbata), Selva Lione (Actriz), Ana Cecilia (Actriz y Bailarina), Nati Iñon (Cantante), Adro Verben (Actor), Gerardo Della Vecchia (Actor), Samuel Steves (Actor),Victorina De Dia (Trapecista) y Emilio Cervini (músico -laúd-) en el "Teatro Tadrón", Niceto Vega 4802. Teléfonos.: 4777-7976. Entrada $200.- (Estudiantes y Jubilados $150) // Funciones: a partir del 11 de marzo de 2017, todos los sábados a las 19 hs.

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El infatigable amor, hilvanado con el dramatismo de William Shakespeare y sus pinceladas poéticas sobre el deseo, la traición, la espera, la obsesión, la venganza y la condena. Todos aquellos condimentos que integran a la condición humana cuando se pone el ropaje del deseo amoroso en una puesta en escena que reúne los lenguajes del teatro, el circo, la música y el audiovisual.

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Síntesis Argumental

Una compañía multidisciplinaria hace su representación frente al banquete del rey en plena época Isabelina. El espacio se puebla de actores, acróbatas de piso y aire, malabaristas, un bufón y una cantante de ópera, en el fragor de la música compuesta especialmente para un metálofon, un tambor y un laúd en vivo. Los agasajados reciben el relato de esta historia de amor, deseo y tragedia desde diferentes universos senso-perceptivos. El teatro dentro del teatro. La musicalidad del movimiento. El peso dramático de los versos. Un viaje intenso a través del tiempo en un relato de una honda voz poética.

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Sobre el poema “Venus y Adonis”

Venus es una mujer enamorada de Adonis. Adonis no quiere o no puede corresponderla a Venus. Ella comienza elogiando su belleza para luego obligarlo a que la bese. Al comprobar que el tacto no lo excita, Venus despliega estrategias con el fin de doblegar su resistencia. Con pertinaz indiferencia, Adonis prosigue en dirección a su cacería. En la espesura del bosque aparece una yegua que enloquece al caballo del joven. El animal rompe las riendas y se escapa con ella. Venus aprovecha la circunstancia y regresa a su objeto de amor simulando un desmayo. Adonis la besa pero pronto escapa nuevamente y le anuncia que se irá a cazar un jabalí. A ella se le aparece la imagen del joven muerto por el diente del cerdo y trata de disuadirlo para que no se vaya. Él se pierde en la noche y muere. La diosa maldice al amor: lo condena a la compañía de los celos, del dolor, del engaño, su goce no compensará nunca los tormentos que trae, será causa de guerras.

Desde el punto de vista dramatúrgico, el poema es respetado en su forma de seis versos, adaptado y versionado, junto con los sonetos de Shakespeare para la puesta. A la hora de investigar en la interpretación en escena, se hizo hincapié en una estética donde la musicalidad, la lírica y el factor narrativo de los textos se hilvanasen armónicamente. Los intérpretes trabajan desde diversas energías y registros sosteniendo la sonoridad y el peso dramático del texto, tal como sucede en la ópera y en el teatro musical. Con una puesta que se aleja del realismo e invita a una dimensión poética en estado puro.

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Por qué "Venus y Adonis" de William Shakespeare
por Viviana Foschi

Los motivos por los cuales quise trabajar con este poema narrativo de William Shakespeare son varios.
Desde un primer momento supe que deseaba trabajar con la obra poética del autor y cuando empecé a investigar, a buscar, una y otra vez, me encontraba con Venus y Adonis. Sentí una señal: ese texto, por algún motivo seguramente más inconsciente que racional, me llamaba. Es un poema de ciento noventa estrofas de seis versos cada una que el autor escribió en 1592 y se publicó al año siguiente. Momento en que la sociedad londinense era arrasada por la peste y que, por tal motivo, dejó de existir la posibilidad de que el teatro se materialice en representaciones pues todas las salas se hallaban cerradas. Se supone que ése fue el motivo por el cual Shakespeare deja de escribir obras dramáticas y se aboca al lenguaje específicamente poético. Resulta curioso, para nosotros, el hecho de saber que este poema fuese uno de los más exitosos de su carrera literaria junto a "La violación de Lucrecia". “Venus y Adonis” fue re-editado nueve veces durante la vida del autor, cosa que no sucedió con ninguna de sus obras dramáticas. Por otro lado, la temática del poema sigue siendo tan universal a la condición humana por los siglos de los siglos: el amor. En un momento, cuando estaba en pleno proceso creativo, y como creo fielmente que las experiencias deben ser reparadas y completadas para su evolución, surgió la idea del conjuro, del rito. En el poema de Shakespeare, donde aparece el famoso mito de Venus, la historia que se narra es de amor, de deseo y de tragedia. A la vez, en la actualidad también estamos viviendo un momento histórico donde el amor sexual necesita revivir, volver a ser rienda. Es sabido que estamos atravesando un periodo donde, tal como lo expresó de manera descarnada el filósofo Zygmunt Bauman en su texto “El amor líquido”, el amor se ve imposibilitado por la falta de compromiso, por la fragmentación que empieza a ser parte de la era posmoderna. Conjuro, rito en tanto posibilidad de salvar al amor de su propio abismo, de su propia imposibilidad. Conjuro y rito en tanto regresar a esa voz prístina que nos habla de la potencia del amor, de su esencia tanto vital como constructiva. Y allí, en la idea del conjuro, apareció el concepto del ensamble: crear puentes entre las distintas voces del arte, para hablar, para construir amor. Así es como en la puesta se entrelazan, con un lenguaje que pareciera el más natural del mundo, el teatro, la poesía, el circo y la música: un encuentro de voces y de sensaciones que nos envuelven en los misterios del amor y del deseo. Otra cuestión que también me gustaría remarcar es que la idea de la puesta no sólo tuvo que ver con generar un conjuro sino que también nació con la intención de homenajear a uno de los más grandes poetas de la historia en la búsqueda de regresar a su modo de “hacer teatro”. Recordemos que en plena época isabelina, el teatro se realizaba así: en una comunión de actores, poetas, laudistas, cantantes, bufones y artistas provenientes del circo (acróbatas, malabaristas y trapecistas, entre otros). En conclusión, elegí "Venus y Adonis" porque quise trabajar con la parte más poética de la producción shakespeareana, porque me parecía necesario hablar hoy del amor y su potencia creadora y, por último, porque me pareció “sanador” jugar a salvar al amor de su desgracia.

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Ficha Técnica:
Autor: William Shakespeare;
Versión: Viviana Foschi;
Música Original: Emilio Cervini;
Coach de Circo: Dani Barros;
Producción: La Sociedad Shakespeariana.

Intérpretes: Héctor Laudani (Actor), Gabriela Bagno (Trapecista y Acrobata), Selva Lione (Actriz), Ana Cecilia (Actriz y Bailarina), Nati Iñon (Cantante), Adro Verben (Actor), Gerardo Della Vecchia (Actor), Samuel Steves (Actor) y Victorina De Dia (Trapecista)

Vestuario: Alito Mendéz;
Objetos Escenográficos: Facundo Moreno;
Diseño de Iluminación: Viviana Foschi; Ilustraciones y Diseño Gráfico: Florencia Perez Portillo;
Maquillaje y Fotografía: Juan Sayes;
Dirección y Puesta en Escena: Viviana Foschi
Prensa: Silvina Pizarro

Gracias Viviana Foschi !! desde "Conjuro para Venus y Adonis" -teatro-... por tu saludo, la charla y la poesía


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NOTA: Foto de Viviana Foschi para este video:
Lorena A Espíritu Santo

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Regresa "CONJURO PARA VENUS Y ADONIS" de WILLIAM SHAKESPEARE, con dirección de VIVIANA FOSCHI // Teatro + Circo + Música + Audiovisuales

El sábado 11 de marzo de 2017, a las 19 hs., regresa en su SEGUNDA TEMPORADA
"Conjuro para Venus y Adonis" ("Love Me")

Propuesta multidisciplinaria (teatro + circo + música en vivo + proyecciones), basada en el poema narrativo “Venus y Adonis” de William Shakespeare, con versión, puesta en escena y dirección de Viviana Foschi, música original del laudista y compositor Emilio Cervini y Coach de Circo Dani Barros.

Interpretada por Hector Laudani (Actor), Gabriela Bagno (Trapecista y Acróbata), Selva Lione (Actriz), Ana Cecilia (Actriz y Bailarina), Nati Iñon (Cantante), Adro Verben (Actor), Gerardo Della Vecchia (Actor), Samuel Steves (Actor),Victorina De Dia (Trapecista) y Emilio Cervini (músico -laúd-) en el "Teatro Tadrón", Niceto Vega 4802. Teléfonos.: 4777-7976. Entrada $200.- (Estudiantes y Jubilados $150) // Funciones: a partir del 11 de marzo de 2017, todos los sábados a las 19 hs.

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El infatigable amor, hilvanado con el dramatismo de William Shakespeare y sus pinceladas poéticas sobre el deseo, la traición, la espera, la obsesión, la venganza y la condena. Todos aquellos condimentos que integran a la condición humana cuando se pone el ropaje del deseo amoroso en una puesta en escena que reúne los lenguajes del teatro, el circo, la música y el audiovisual.

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Síntesis Argumental

Una compañía multidisciplinaria hace su representación frente al banquete del rey en plena época Isabelina. El espacio se puebla de actores, acróbatas de piso y aire, malabaristas, un bufón y una cantante de ópera, en el fragor de la música compuesta especialmente para un metálofon, un tambor y un laúd en vivo. Los agasajados reciben el relato de esta historia de amor, deseo y tragedia desde diferentes universos senso-perceptivos. El teatro dentro del teatro. La musicalidad del movimiento. El peso dramático de los versos. Un viaje intenso a través del tiempo en un relato de una honda voz poética.

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Sobre el poema “Venus y Adonis”

Venus es una mujer enamorada de Adonis. Adonis no quiere o no puede corresponderla a Venus. Ella comienza elogiando su belleza para luego obligarlo a que la bese. Al comprobar que el tacto no lo excita, Venus despliega estrategias con el fin de doblegar su resistencia. Con pertinaz indiferencia, Adonis prosigue en dirección a su cacería. En la espesura del bosque aparece una yegua que enloquece al caballo del joven. El animal rompe las riendas y se escapa con ella. Venus aprovecha la circunstancia y regresa a su objeto de amor simulando un desmayo. Adonis la besa pero pronto escapa nuevamente y le anuncia que se irá a cazar un jabalí. A ella se le aparece la imagen del joven muerto por el diente del cerdo y trata de disuadirlo para que no se vaya. Él se pierde en la noche y muere. La diosa maldice al amor: lo condena a la compañía de los celos, del dolor, del engaño, su goce no compensará nunca los tormentos que trae, será causa de guerras.

Desde el punto de vista dramatúrgico, el poema es respetado en su forma de seis versos, adaptado y versionado, junto con los sonetos de Shakespeare para la puesta. A la hora de investigar en la interpretación en escena, se hizo hincapié en una estética donde la musicalidad, la lírica y el factor narrativo de los textos se hilvanasen armónicamente. Los intérpretes trabajan desde diversas energías y registros sosteniendo la sonoridad y el peso dramático del texto, tal como sucede en la ópera y en el teatro musical. Con una puesta que se aleja del realismo e invita a una dimensión poética en estado puro.

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Por qué "Venus y Adonis" de William Shakespeare
por Viviana Foschi

Los motivos por los cuales quise trabajar con este poema narrativo de William Shakespeare son varios.
Desde un primer momento supe que deseaba trabajar con la obra poética del autor y cuando empecé a investigar, a buscar, una y otra vez, me encontraba con Venus y Adonis. Sentí una señal: ese texto, por algún motivo seguramente más inconsciente que racional, me llamaba. Es un poema de ciento noventa estrofas de seis versos cada una que el autor escribió en 1592 y se publicó al año siguiente. Momento en que la sociedad londinense era arrasada por la peste y que, por tal motivo, dejó de existir la posibilidad de que el teatro se materialice en representaciones pues todas las salas se hallaban cerradas. Se supone que ése fue el motivo por el cual Shakespeare deja de escribir obras dramáticas y se aboca al lenguaje específicamente poético. Resulta curioso, para nosotros, el hecho de saber que este poema fuese uno de los más exitosos de su carrera literaria junto a "La violación de Lucrecia". “Venus y Adonis” fue re-editado nueve veces durante la vida del autor, cosa que no sucedió con ninguna de sus obras dramáticas. Por otro lado, la temática del poema sigue siendo tan universal a la condición humana por los siglos de los siglos: el amor. En un momento, cuando estaba en pleno proceso creativo, y como creo fielmente que las experiencias deben ser reparadas y completadas para su evolución, surgió la idea del conjuro, del rito. En el poema de Shakespeare, donde aparece el famoso mito de Venus, la historia que se narra es de amor, de deseo y de tragedia. A la vez, en la actualidad también estamos viviendo un momento histórico donde el amor sexual necesita revivir, volver a ser rienda. Es sabido que estamos atravesando un periodo donde, tal como lo expresó de manera descarnada el filósofo Zygmunt Bauman en su texto “El amor líquido”, el amor se ve imposibilitado por la falta de compromiso, por la fragmentación que empieza a ser parte de la era posmoderna. Conjuro, rito en tanto posibilidad de salvar al amor de su propio abismo, de su propia imposibilidad. Conjuro y rito en tanto regresar a esa voz prístina que nos habla de la potencia del amor, de su esencia tanto vital como constructiva. Y allí, en la idea del conjuro, apareció el concepto del ensamble: crear puentes entre las distintas voces del arte, para hablar, para construir amor. Así es como en la puesta se entrelazan, con un lenguaje que pareciera el más natural del mundo, el teatro, la poesía, el circo y la música: un encuentro de voces y de sensaciones que nos envuelven en los misterios del amor y del deseo. Otra cuestión que también me gustaría remarcar es que la idea de la puesta no sólo tuvo que ver con generar un conjuro sino que también nació con la intención de homenajear a uno de los más grandes poetas de la historia en la búsqueda de regresar a su modo de “hacer teatro”. Recordemos que en plena época isabelina, el teatro se realizaba así: en una comunión de actores, poetas, laudistas, cantantes, bufones y artistas provenientes del circo (acróbatas, malabaristas y trapecistas, entre otros). En conclusión, elegí "Venus y Adonis" porque quise trabajar con la parte más poética de la producción shakespeareana, porque me parecía necesario hablar hoy del amor y su potencia creadora y, por último, porque me pareció “sanador” jugar a salvar al amor de su desgracia.

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Ficha Técnica:
Autor: William Shakespeare;
Versión: Viviana Foschi;
Música Original: Emilio Cervini;
Coach de Circo: Dani Barros;
Producción: La Sociedad Shakespeariana.

Intérpretes: Héctor Laudani (Actor), Gabriela Bagno (Trapecista y Acrobata), Selva Lione (Actriz), Ana Cecilia (Actriz y Bailarina), Nati Iñon (Cantante), Adro Verben (Actor), Gerardo Della Vecchia (Actor), Samuel Steves (Actor) y Victorina De Dia (Trapecista)

Vestuario: Alito Mendéz;
Objetos Escenográficos: Facundo Moreno;
Diseño de Iluminación: Viviana Foschi; Ilustraciones y Diseño Gráfico: Florencia Perez Portillo;
Maquillaje y Fotografía: Juan Sayes;
Dirección y Puesta en Escena: Viviana Foschi
Prensa: Silvina Pizarro

¡¡ Gracias a Mario Massacesi !! desde "Massacesi que nunca" -radio-... por su espacio a Daniel Grad desde "APOA en el Moyano"


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En caso de reproducción, indicar la fuente.

¡¡ Gracias a Mario Massacesi !! desde "Massacesi que nunca" - programa de radio - que se emite de 14 a 16 hs. por Radio de la Ciudad (AM 1110) por su espacio a Daniel Grad desde "APOA en el Moyano" (Taller de Poesía) el día lunes 27-03-2017 (en relación al día 21 de marzo "Día Internacional de la Poesía").

GRACIAS A TODO EL EQUIPO DEL PROGRAMA:

- Mario Massaccesi, conductor
- Nicolas Singer, columnista
- Laura Sherman, columnista

Producción
Maria Espina, Natalia Soubielle y Felipe Silveyra